Paul Klee

	Paul Klee (Münchenbuchsee, Suiza, 18 de diciembre de 1879 - Muralto,  Suiza, 29 de junio de 1940) fue un pintor alemán[1] nacido en Suiza, que desarrolló su vida en Alemania, cuyo estilo varía entre el surrealismo, el expresionismo y la abstracción.

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Paul Klee
Fotografía de Paul Klee en 1911
Nacimiento	18 de diciembre de 1879 Münchenbuchsee, Suiza
Fallecimiento	29 de junio de 1940, 60 años Muralto, Suiza
Nacionalidad	Germano-suiza
Área	Pintor
Educación	Academia de Bellas Artes de Múnich
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Inicios

Klee nació en Münchenbuchsee, cerca de Berna, Suiza, en una familia de músicos, de padre alemán y madre suiza. De su padre obtuvo la ciudadanía alemana, que usaría toda su vida, dado que Suiza se negó a darle ciudadanía durante su exilio en ese país durante la persecución nazi. Estudió arte en Múnich con Heinrich Knirr y Franz von Stuck. A sus diesiciete años pintó la tinta "Mi Habitación" (1896), mostrada a continuación:

"Mi Habitación"

Esta Pieza se conserva ahora en el acervo de la fundación Klee

Klee trabajaba en óleo, acuarela, tinta y otros materiales, generalmente combinándolos en un solo trabajo. Sus cuadros frecuentemente aluden a la poesía, la música y los sueños, y a veces incluyen palabras o notas musicales.

Al regresar de un viaje a Italia, se asentó en Múnich, donde conoció a Vasili Kandinski, Franz Marc y otras figuras de vanguardia, y se asoció al Blaue Reiter.

 El Blaue Reiter

En 1911 Vasili Kandinski y Franz Marc fundaron en Múnich un grupo de artistas vinculado al expresionismo. Paul Klee no era oficialmente miembro de esta asociación, pero con todo se sentía muy unido al círculo de artistas que la integraban y participó en sus exposiciones. Entre los miembros del Blaue Reiter se contaban August Macke, Gabriele Münter y Marianne von Werefkin. Todos compartían un interés por el arte gótico y primitivo y por los movimientos modernos del fauvismo y el cubismo. El nombre del grupo se deriva de una obra pictórica de Kandinsky de 1903 que a partir de 1912 sirvió de ilustración para los títulos de un anuario con ese mismo nombre. La primera de las dos exposiciones del Blaue Reiter se inauguró el 18 de diciembre de 1911 y permaneció en la Galería Moderna de Heinrich Thannhauser, en Múnich, hasta el 1 de enero de 1912. En ella se incluyeron 49 obras de Henri Rousseau, Albert Bloch, Heinrich Campendonk, Robert Delaunay, Kandinsky, Klee y Macke. Tras este período, la exposición inició su itinerancia por otras ciudades alemanas, entre ellas Colonia y Berlín.

Viajes

La Casa giratoria, obra de 1921, Museo Thyssen-Bornemisza

En 1914, visitó Túnez y quedó impresionado con la calidad de la luz del lugar, por lo que escribió en su diario:

"El color me posee, no tengo necesidad de perseguirlo, sé que me posee para siempre... el color y yo somos una sola cosa. Yo soy pintor."

También visitó Italia en 1901 y Egipto en 1928, siendo ambos lugares una fuerte influencia para su arte. Klee era uno de los Die Blaue Vier (Los Cuatro Azules) junto a Kandinski, Feininger y Jawlensky. Esta agrupación, formada en 1923 expuso conjuntamente en los Estados Unidos en 1924. La influencia de Klee en otros artistas notables se propagó hacia comienzos del siglo XX incluyendo al belga Rene Carcan.

Bauhaus

El gato y el pájaro, obra de 1928, Museo de Arte Moderno de Nueva York

Después de la Primera Guerra Mundial, donde participó como soldado por ser ciudadano alemán, Klee enseñó en la Bauhaus, y a partir de 1931, en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, antes de ser denunciado por los nazis por producir «arte degenerado».

 Exilio

En 1933 dejó la enseñanza y regresó a Berna, donde realizó una gran exposición en la Kunsthalle (1935). En 1936 se le diagnosticó esclerodermia, una grave enfermedad degenerativa que le acompañaría el resto de su vida, aunque siguió trabajando a buen ritmo. En 1940 fue internado en una clínica de Muralto-Locarno, donde falleció el 29 de junio.

 Análisis estilístico

Museo de Paul Klee en Berna.

Pamela Kort escribió: "Los dibujos de 1933 de Klee enfrentan al espectador con la inigualable oportunidad de observar el aspecto central de su estética, en cuanto a combinación de parodia e ingenio. Y es aquí donde radica su verdadero significado, especialmente para aquellas personas que no llegan a percibir las dimensiones políticas del arte de Klee.^[2]

Klee y el color

A lo largo de su vida, Paul Klee usó el color de maneras variadas y únicas, y mantuvo con él una relación que progresó con el tiempo. Para un artista que amaba tanto la naturaleza parece algo extraño que en sus comienzos Klee despreciara el color, creyendo que no era sino una decoración.

Con el tiempo Klee cambió de idea y llegó a manipular el color con una enorme precisión y pasión, hasta tal punto que terminó enseñando teoría del color y de su mezcla en la Escuela de la Bauhaus. Esta progresión, por sí misma, es de gran importancia porque le permitió escribir sobre el color con una mirada única entre sus contemporáneos.

Algunas obras

• Pequeño abeto (1922)
• La máquina del gorjeo (1922)
• Calle principal y calle secundaria (1929)
• Ad Parnassum (1932)
• Cabeza de un mártir (1933)
• El hombre futuro (1933)
• Ángel pobre (1939)
• Teoría del arte moderno (1879-1940)
• Me llamo Paul, Paul Klee ([[1941])

 Galería

• 

  Aventura de una joven, 1921, Tate Modern
• 

  Ad Marginem, 1930, Museo de Arte de Basilea
• 

  Teatro Botánico, 1924/1934, colección privada
• 

  Senecio, 1922, Museo de Arte de Basilea
• 

  Globo rojo,1922, Museo Solomon R. Guggenheim
• 

  Muerte y fuego, 1940, Museo Paul Klee, Berna
• 

  Conquistado, 1930, Museo Paul Klee, Berna
• 

  Composión cósmica, 1919, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen
• 

  Carnaval en las montañas, 1924, Museo Paul Klee, Berna
• 

  Polifonía, 1932, Fundación Emanuel Hoffman, Basilea
• 

  Pez mágico, 1925, Museo de Arte de Filadelfia
• 

  "Mi Habitación", 1896 Klee Foundation

 Referencias

1. ↑ http://www.paulkleezentrum.ch/ww/en/pub/web_root/act/wissenschaftliches_archiv/biografie/schweizer_ohne_roten_pass.cfm sobre la ciudadania suiza otorgada posteriormente a su muerte
2. ↑ "[1]

 Bibliografía

Escritos de Paul Klee

• Über das Licht, traduzione del saggio di R. Delaunay La lumière, in “Der Sturm”, anno III, n° 144-145, Berlin 1913.
• Schöpferische Konfession, in “Tribüne der Kunst und Zeit”, a cura di K. Edschmid, Erich Reiss, vol. XIII, Berlino 1920, parzialmente ripubblicata da W. Hausenstein in Kairuan oder eine Geschichte vom Maler Klee und von Kunst dieser Zeit, Kurt Wolf, München 1921, trad. it. completa in Teoria della forma e della figurazione, vol. I, Feltrinelli, Milano, 1959.
• Klees Biographie nach Angaben des Künstlers, in H. von Wedderkop, Paul Klee, Junge Kunst, vol. XIII, Klinkhardt & Biedermann, Leipzig 1920, anche in Eine biographische Skizze nach eigenen Angaben des Künstlers, in “Der Arat”, secondo numero straordinario, “Paul Klee”, Goltzverlag, München 1921.
• Die Ausstellung des modernen Bundes im Kunsthaus, Zürich, in “Die Alpen”, anno VI, n° 12, Bern 1921.
• Über den Wert der Kritik, in “Der Arat”, anno II, München 1921.
• Wege des Naturstudiums, in “Staatliches Bauhaus Weimar 1919-1923”, Bauhaus, Weimar und Karl Nierendorf, Köln, Bauhausverlag, Weimar und München 1923, trad. it. in Teoria della forma e della figurazione, vol. I, Feltrinelli, Milano 1959.
• Über die moderne Kunst, Benteli, Bern 1945, trad. it. in Teoria della forma e della figurazione, vol. I, Feltrinelli, Milano 1959.
• Pädagogisches Skizzenbuch, Bauhausbücher n° 2, herausgegeben von W. Gropius und L. Moholy-Nagy, Albert Langen, München 1925, ed. it. Quaderno di schizzi pedagogici, a cura di M. Lupano, Vallecchi Firenze, 1979.
• Wassili Kandinsky, in Katalog der Jubiläumsausstellung zum 60. Geburtstage von W. Kandinsky, Galerie Arnold, Dresden 1926.
• Emil Nolde, in Festschrift zum 60. Geburtstag von E. Nolde, Neue Kunst Fides, Dresden 1927.
• Exakte Versuche im Bereiche der Kunst, in “Bauhaus, Vierteljahrzeitschrift für Gestaltung”, anno II, n° 2-3, Dessau 1928, ripubblicato col titolo di Paul Klee spricht, in “Junge Menschen kommt ans Bauhaus”, Dessau 1929, trad. it. Esperienze esatte nel campo dell’arte, in Teoria della forma e della figurazione, vol. I, Feltrinelli, Milano 1959.
• Tagebücher von Paul Klee 1898-1918, Verlag M. DuMont Schauberg, Köln 1957, ed. it., Diari 1898-1918, prefazione di G. C. Argan con una nota di F. Klee, trad. it. di A. Foelkel, Il Saggiatore, Milano 1960-1995.
• Das bildnerische Denken (Benno Schwabe & Co., Basel 1956), a cura di J. Spiller, ed. it. Teoria della forma e della figurazione, vol. I, a cura di M. Spagnol e R. Sapper, trad. it. di M. Spagnol e F. Saba Sardi, introduzione di G. C. Argan, Feltrinelli, Milano 1959.
• Unendliche Naturgeschichte (Benno Schwabe & Co., Basel 1970), ed. it. Teoria della forma e della figurazione. Storia naturale infinita, vol. II, trad. it. di C. Mainoldi, Feltrinelli, Milano 1970.
• Gedichte, a cura di F. Klee, ed. it. Poesie, a cura di G. Manacorda, Guanda, Parma 1978-1995.
• Briefe an die Familie, vol. I: 1893-1906; vol. II: 1907-1940, a cura di F. Klee, DuMont Buchverlag, Köln 1979.

 Escritos sobre Paul Klee

• R. Barilli, La poetica di Klee, in id., Informale Oggetto Comportamento, vol. I, La ricerca artistica negli anni ‘50 e ‘60, Feltrinelli, Milán 1979.
• R. Barilli, Il cosmo di Klee, in id. L’arte contemporanea. Da Cézanne alle ultime tendenze, Feltrinelli, Milano 1984.
• A. Bonfand, Paul Klee. L’œil en trop, Éditions de la Différence, Paris 1988.
• P. Boulez, Il paese fertile. Paul Klee e la musica, Leonardo Editore, Milano 1989.
• P. Cappelletti, L'inafferrabile visione. Pittura e scrittura in Paul Klee, Jaca Book, Milano 2003.
• P. Cherchi, Paul Klee teorico, De Donato, Bari 1978.
• M. Dantini, Klee, Jaca Book, Milano 1999.
• G. Di Giacomo, Introduzione a Paul Klee, Laterza, Roma-Bari, 2003.
• C. Fontana (a cura di), Paul Klee. Preistoria del visibile, Silvana Editoriale, Milano 1996
• M. Foucault, Klee, Kandinsky, Magritte, in Questo non è una pipa, SE, Milano 1988.
• E. Franzini, Arte e mondi possibili. Estetica e interpretazione da Leibniz a Klee, Guerini e associati, Milano 1994-1999.
• C. Geelhaar, Paul Klee et le Bauhaus, Ides et Calendes, Neuchâtel 1972.
• C. Greenberg, Saggio su Klee, trad. it. a cura di E. Pocar e C. Salmaggi, Il Saggiatore, Milano 1960.
• W. Grohmann, Paul Klee, trad. it., Sansoni, Firenze 1954.
• W. Grohmann, Klee, trad. it., Garzanti, Milano 1991.
• W. Haftmann, Nell’interregno, trad. it., Il Saggiatore, Milano 1962.
• W. Haftmann, The Mind and the Work of Paul Klee, Faber & Faber, London 1967.
• J. M. Jordan, Paul Klee and Cubism, University Press, Princeton 1984.
• F. Klee, Vita e opera di Paul Klee, trad. it., Einaudi, Torino 1971.
• C. Naubert-Riser, La création chez Paul Klee, Klincksieck, Paris 1978.
• S. Partsch, Paul Klee 1879-1940, Benedikt Taschen Verlag, Berlin 1991.
• P. Petitpierre, Aus der Malklasse von Paul Klee, Benteli, Bern 1957.
• C. Roy, Paul Klee alle sorgenti della pittura, Istituto italiano di arti grafiche, Bergamo 1966.
• R. Verdi, Klee and Nature, Zwemmer, London 1984.
• O. K. Werckmeister, Versuche über Paul Klee, Syndikat, Frankfurt 1981.

Catálogo razonado Paul Klee

• P. Klee, Catalogue Raisonné, vol. I, 1883-1912, Paul Klee Stiftung, Kunstmuseum Bern, Bern 1998.
• P. Klee, Catalogue Raisonné, vol. II, 1913-1918, Paul Klee Stiftung, Kunstmuseum Bern, Bern 2000.
• P. Klee, Catalogue Raisonné, vol. III, 1919-1922, Paul Klee Stiftung, Kunstmuseum Bern, Bern 1999.
• P. Klee, Catalogue Raisonné, vol. IV, 1923-1926, Paul Klee Stiftung, Kunstmuseum Bern, Bern 2000.
• P. Klee, Catalogue Raisonné, vol. V, 1927-1930, Paul Klee Stiftung, Kunstmuseum Bern, Bern 2001.
• P. Klee, Catalogue Raisonné, vol. VI, 1931-1933, Paul Klee Stiftung, Kunstmuseum Bern, Bern 2002.
• P. Klee, Catalogue Raisonné, vol. VII, 1934-1938, Paul Klee Stiftung, Kunstmuseum Bern, Bern 2003.
• P. Klee, Catalogue Raisonné, vol. VIII, 1939, Paul Klee Stiftung, Kunstmuseum Bern, Bern 2003.
• P. Klee, Catalogue Raisonné, vol. IX, 1940, Paul Klee Stiftung, Kunstmuseum Bern, Bern 2004.

fuente: wikipedia.

Kandisky Art

Wassily Kandinsky Art

Wassily Kandinski
Kandinski alrededor de 1913
Nombre completo	Wassily Vasílievich Kandinski
Nacimiento	4 de diciembre de 1866 Moscú, Rusia
Fallecimiento	13 de diciembre de 1944 Neuilly-sur-Seine, Francia
Nacionalidad	Ruso
Área	Pintor
Firma

Wassily Kandinski (ruso: Васи́лий Васи́льевич Канди́нский, Vasili Vasílievich Kandinski) (Moscú, 4 de diciembre de 1866 - Neuilly-sur-Seine, 13 de diciembre de 1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica.

Biografía

Nació en Moscú en 1866. En 1871 su familia se traslada a Odesa. De 1886 a 1889 estudia Leyes en Moscú. En 1896 rechaza un puesto docente en la Universidad de Dorpat para estudiar Arte en Múnich.
En 1901 funda el grupo Phalanx, cuyo propósito principal es introducir las vanguardias francesas en el provinciano ambiente muniqués, para lo cual abre una escuela en la que da clases. Sus pinturas de los primeros años del siglo son paisajes ejecutados con espátula, en un principio sombríos, para luego adquirir una intensidad casi fauve; también pintó temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana; este período está marcado por la experimentación técnica, en particular, en el uso del temple sobre un papel oscuro, para dar una impresión de superficie transparente, iluminada desde atrás. La consistencia tonal del claroscuro enfatiza el esquema borrando la distinción entre las figuras y el fondo, resultando una composición casi abstracta.
En 1902 expone por primera vez con la Secession de Berlín y realiza sus primeras xilografías. En 1903 y 1904 viaja por Italia, Países Bajos, África y visita Rusia. En 1904 expone en el Salón de Otoño de París.
En 1909 es elegido presidente de la Nueva Asociación de Artistas de Múnich (NKVM). La primera exposición del grupo tiene lugar en la galería Thannhauser de Múnich ese mismo año. Hacia el final de la década, las pinturas de Kandinski denotan una gran tendencia a la plenitud por la equivalencia en intensidad de las áreas de color y la superficie reluciente que destruye toda ilusión de profundidad. Las series de cuadros de jinetes en combate comienzan en 1909 y, en ellas, la línea del horizonte se va erradicando gradualmente, al igual que otras referencias espaciales. Arte abstracto
El desarrollo de Kandinski hacia la abstracción encuentra su justificación teórica en "Abstracción y empatía" de Wilhelm Worringer, que se había publicado en 1908. Worringer argumenta que la jerarquía de valores al uso, basada en las leyes del Renacimiento, no es válida para considerar el arte de otras culturas; muchos artistas crean desde la realidad pero con un impulso abstracto, que hace que las últimas tendencias del arte se den en sociedades menos materialistas.
Kandinski, al igual que Piet Mondrian, estaba interesado también en la teosofía, entendida como la verdad fundamental que subyace detrás de doctrinas y rituales en todas las religiones del mundo; la creencia en una realidad esencial oculta tras las apariencias, proporciona una obvia racionalidad al arte abstracto.
En De lo Espiritual en el Arte, habla de una nueva época de gran espiritualidad y de la contribución de la pintura a ella. El arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y Kandinski da las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color, a diferencia de teorías sobre el color más antiguas, él no se interesa por el espectro sino sólo en la respuesta del alma.
En 1913 una obra suya se presenta en el Armory Show de Nueva York y, al estallar la Primera Guerra Mundial, vuelve a Rusia, instalándose en Moscú, hasta 1921.
A partir de la Revolución de octubre de 1917, Kandinski desarrolla un trabajo administrativo para el Comisariado del Pueblo, para la Educación; entre los proyectos de este organismo está la reforma del sistema educativo de las escuelas de arte. En 1920 fue uno de los fundadores en Moscú del INJUK (Instituto para la Cultura Artística), a lo largo de este año surgió el conflicto entre Kandinski, Malévich y otros pintores idealistas frente a los productivistas (o constructivistas), Vladímir Tatlin y Aleksandr Ródchenko, este último grupo encontró un fuerte apoyo en "el plan de propaganda monumental" ideado por las autoridades políticas de la Revolución. La situación de tensión propicio la salida de Kandinski de Rusia.
En 1922 se traslada a Weimar (Alemania), donde imparte clases teóricas para la Escuela de la Bauhaus. En 1926 se publica su libro Punto y línea sobre el plano. Contribución al análisis de los elementos pictóricos. Una continuación orgánica de su trabajo anterior De lo espiritual en el arte. Permanecerá en la Bauhaus hasta el año 1933 cuando el Tercer Reich clausura la institución.
Desde 1933 se establece en París donde continuará su carrera como artista hasta su fallecimiento en 1944, a los 78 años de edad, en Neuilly-sur-Seine (Francia).

Autumn in Bavaria
1908; Oil on cardboard, 33x45cm; Centre Georges Pompidou, Paris

Improvisation 7
1910 (180 Kb); Oil on canvas, 131 x 97 cm; Tretyakov Gallery, Moscow

Composition IV
1911 (170 Kb); Oil on canvas, 159.5 x 250.5 cm (62 7/8 x 98 5/8 in); Kunstsammlung Nordrhein-Westfallen, Dusseldorf

Composition V
1911 (170 Kb); Oil on canvas, 190 x 275 cm (6' 3 7/8" x 9' 1/4"); Private collection

Black Spot I
1912 (200 Kb); Oil on canvas, 100 x 130 cm; The Hermitage, St. Petersburg

Improvisation 31 (Sea Battle)

Ravine Improvisation
1914 (110 Kb); Oil on cardboard, 110 x 110 cm; Stadtische, Munich
Ravine is so coarse that, intuitively, I feel the title is wrong. It is the one given, however. And of course, the chaotic bric-à-brac image of a ravine does mesh with the Kandinsky spirit--so, away with the intuitive!''
-- Sandro Pasquali

Composition VI
1913 (170 Kb); Oil on canvas, 195 x 300 cm (6' 4 3/4" x 10'); Hermitage Museum, St. Petersburg

Composition VII
1913 (200 Kb); Oil on canvas, 200 x 300 cm (6' 6 3/4" x 9' 11 1/8"); Tretyakov Gallery, Moscow

Small Pleasures

Fragment 2 for Composition VII
1913 (180 Kb); Oil on canvas, 87.5 x 99.5 cm (34 1/2 x 39 1/4 in); Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY

On White II
1923; Oil on canvas, 105 x 98cm; Centre Georges Pompidou, Paris

Composition VIII
1923 (140 Kb); Oil on canvas, 140 x 201 cm (55 1/8 x 79 1/8 in); Solomon R. Guggenheim Museum, New York

Black and Violet
1923

Contrasting Sounds
1924; Oil on cardboard, 70x49.5cm; Centre Georges Pompidou, Paris

Yellow, Red, Blue
1925; Oil on canvas, 127x200cm; Centre Georges Pompidou, Paris

Composition IX
1936 (120 Kb); Oil on canvas, 113.5 x 195 cm (44 5/8 x 76 3/4 in); Musee National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris

Composition X
1939 (160 Kb); Oil on canvas, 130 x 195 cm (51 1/8 x 76 3/4 in); Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Dusseldorf

wikipedia.

Henri Matisse

Henri Matisse 

French Artist
1869-1954

Music - Arabesque No. 1 in E Major composed by Claude Debussy

Henri Matisse
Foto de Henri Matisse por Carl Van Vechten, 1933.
Nacimiento	31 de diciembre de 1869 Le Cateau-Cambrésis Norte-Paso de Calais
Fallecimiento	3 de noviembre de 1954 Niza, Francia
Nacionalidad	Francés
Firma

by Philip Scott Johnson

Henri Émile Benoît Matisse (31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX, considerado junto con Pablo Picasso uno de los más grandes artistas del siglo pasado. Al inicio de su carrera se le identificó con el fauvismo y para los años 20 ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno.

Biografía

Nació en Le Cateau-Cambrésis, una pequeña localidad al norte de Francia, en el centro de una familia dedicada al comercio, específicamente de droguería y semillas^[1] . Inició estudios para seguir la tradición familiar (Abogacía), pero durante una convalecencia empezó a pintar y entonces descubrió su vocación. Se trasladó a París, asistió a cursos en la Academia Julián y en 1892 ingresó en la Escuela de Bellas Artes, recibiendo clases en el taller del pintor simbolista Gustave Moreau, donde coincidió con Rouault, Camoin y Marquet, además de relacionarse también con los artistas Dufy, discípulos de Pierre Bonnard.
En 1887 se muda a París para estudiar leyes, al tiempo que trabaja en como administrativo en la corte de Le Cateau-Cambrésis.
Comienza a pintar en 1889, cuando convaleciente de una apendicitis su madre le lleva elementos para pintar. Según dijo de este momento de su vida que descubrió una especie de paraíso ^[2] . Y a partir de entonces decide convertirse en artista plástico, a pesar de que esto desepcionó profundamente a su padre ^[3] . En 1892 ingresó en la Escuela de Bellas Artes, recibiendo clases en el taller del pintor simbolista Gustave Moreau, donde coincidió con Rouault, Camoin y Marquet, además de relacionarse también con los artistas Dufy, discípulos de Pierre Bonnard.
Al comienzo de su trayectoria artística practicó el dibujo del natural en un estilo más bien tradicional, como se aprecia en El tejedor bretón, y realizó copias en el Louvre. Más adelante pasó a pintar luminosos paisajes de Córcega y de la Costa Azul, dejándose llevar por los aires impresionistas de la época, y practicó esporádicamente el divisionismo. En esta etapa tuvo como discípulo y gran amigo al pintor japonés Yoshio Aoyama (el cual ha dejado en la historia del arte el término de "azul Aoyama").
Como estudiante de arte, su pintor más admirado fue Chardin, realizando copias de las cuatro piezas del the Louvre ^[4] .
Muchas de las pinturas entre 1898 y 1901 recurren al divisionismo, tecnica que adopta luego de leer un aescrito de Paul Signac, "D'Eugène Delacroix au Néo-impressionisme" ^[5] .

Con el comienzo del siglo, lideró junto con André Derain un grupo conocido como Fauvismo. Un movimiento efímero que tuvo tres exhibiciones ^{[6] [7]} .
La primer muestra individual la realizó en la galería Ambroise Vollard en 1904 ^[8] , con poco éxito. El uso del color se había pronunciado, por influencias de Signac and Henri Edmond Cross. Año en el que pinta su trabajo impresionista más importante, Luxe, Calme et Volupté.
En 1905, unos artistas del fauvismo exponen en el Salon d'Automne. Las pinturas expresan emosión con colores salvajes y disonantes. El crítico de arte Louis Vauxcelles dijo "Donatello au milieu des fauves!" (Donatello entre bestias salvajes), refiriendose a una escultura de tipo renancentista que estaba en el salón donde era la exposición ^[9] .
Matisse mostró Ventana abierta, Collioure (Óleo de 55,3 cm x 46 cm; 1905) and Mujer con sombrero (Óleo de 79,4 cm × 59,7 cm; 1905). La muestra en general y el material de Matisse en particular resultaron un escándalo para la época y fueron objeto de una crítica muy agresiva «The Painted Lady» (4 de abril de 2011)..

Al comienzo de su trayectoria artística practicó el dibujo del natural en un estilo más bien tradicional, como se aprecia en El tejedor bretón, y realizó copias en el Louvre. Más adelante pasó a pintar luminosos paisajes de Córcega y de la Costa Azul, dejándose llevar por los aires impresionistas de la época, y practicó esporádicamente el divisionismo. En esta etapa tuvo como discípulo y gran amigo al pintor japonés Yoshio Aoyama, el cual ha dejado en la historia del arte el término de "azul Aoyama".
En algunas de sus figuras pintadas hacia fin de siglo está presente la influencia de Cézanne, pero a partir de 1907 su estilo se hizo más definido y pintó a la manera fauve: supresión de detalles y tendencia a la simplificación, con lo que obtuvo cuadros impregnados de paz y armonía, como Lujo, calma y voluptuosidad o El marinero de la gorra. Mediante zonas de color diferenciadas, tradujo la forma de los objetos y el espacio existente entre ellos, además de introducir arabescos y crear un ritmo característico en sus cuadros, como en Las alfombras rojas. Su uso del color fue de una gran sensualidad, aunque siempre muy controlada por una metódica organización estructural. Como él mismo declaró: «Sueño con un arte de equilibrio, de tranquilidad, sin tema que inquiete o preocupe, algo así como un lenitivo, un calmante cerebral parecido a un buen sillón». Otro de sus rasgos peculiares es la sensación de bidimensionalidad de cuadros como La habitación roja (o Armonía en rojo) o Naturaleza muerta con berenjenas, en los que la ilusión de profundidad queda anulada mediante el uso de la misma intensidad cromática en elementos que aparecen en primer o en último plano (Taller en rojo).
En 1910 viajó a España; en Madrid visitó el Museo del Prado y su estancia en Granada y Sevilla contribuyó a acercarle a la estética oriental. En 1912 y 1913 viajó a Marruecos, donde la luz le inspiró cuadros sobre paisajes mediterráneos de gran colorido, como Los marroquíes.
Hacia 1916 se inició un período en el que se percibe la influencia del movimiento cubista, de creciente importancia, que se traduce en un concepto más geométrico de las formas y una simplificación aún mayor, como en El pintor y su modelo.
Hacia 1917 se instaló en Niza, conoció a Renoir, y su estilo se hizo más sutil. Produjo en este período algunas de sus obras más célebres, como Ventana en Niza y la serie de las Odaliscas, donde queda claramente plasmado el gusto de Matisse por la ornamentación y el uso de arabescos. En los años siguientes viajó por Europa y Tahití, donde concibió la obra en gran formato La danza.
Hacia la década de 1940, el colorido de sus telas se tornó más atrevido, como en La blusa rumana y en el Gran interior rojo, antecedentes de los gouaches que realizó a finales de los años cuarenta, en los que cortaba y pegaba papeles coloreados. Es famosa en esta técnica su serie Jazz, de 1943-1946.
En 1950 decoró la capilla del Rosario de las dominicas de Vence, en la obra que mejor expone su tendencia simplificadora hacia formas más planas. Realizó así mismo un gran número de dibujos a pluma e ilustraciones para escritores como Mallarmé y Joyce. En cuanto a sus grabados, el número de piezas alcanza las quinientas, entre litografías, aguafuertes y xilografías. También esculpió en bronce y colaboró escribiendo artículos para distintas revistas especializadas.
En 1963 se abrió en Niza el Museo Matisse, que reúne una parte de su obra.

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Cronología

1869 - Nace en Le Cateau-Cambrésis, norte de Francia, el 31 de diciembre.
1888 - Termina la enseñanza media, estudia Derecho en la universidad de París.
1890 - Confinado al lecho por una enfermedad intestinal, empieza a pintar.
1891 - Deja la carrera de Derecho y se matricula en la Académie Julien, donde estudia con Bouguereau.
1892 - Entra en el estudio de Gustave Moreau en la Escuela de Bellas Artes. Acude a las clases de la Escuela de Artes Decorativas y se hace amigo de Marquet.
1894 - Tiene a su hija Marguerite con Amélie Parayre, con quien se casará cuatro años después.
1896 - Expone cuatro cuadros en la Exposición de la Societé Nationale: el Estado compra Mujer leyendo para el castillo de Rambouillet.
1899 - Deja la Escuela de Bellas Artes y frecuenta el estudio de Carrière, donde conoce a Derain. Se interesa por la escultura, gracias a Rodin. Compra Las tres bañistas de Cézanne, Cabeza de niño de Gauguin y un yeso de Rodin. Nace su hijo Jean.
1900 - Nace su último hijo, Pierre.
1901 - Expone en el Salón de los Independientes. Conoce a Maurice de Vlaminck en retrospectiva de Van Gogh.
1903 - Se abre el Salón de Otoño, en el que participa Matisse.
1904 - Primera exposición individual en la galería de Ambroise Vollard. Pinta Luxe, calme et volupté, que luego compra Signac.
1905 - Expone en el Salón de Otoño los nuevos lienzos que harán identificar a Matisse y a sus compañeros como fauves.
1906 - Expone en el Salón de Otoño con el grupo de los Fauves. Primer viaje a Argelia, donde le impresiona la artesanía local.
1907 - En el Salón de Gertrude Stein conoce a Picasso. Hace un viaje de estudios a Italia.
1908 - Se organiza su primera muestra individual en Nueva York, en la galería 219, de Alfred Stieglitz.
1910 - Individual en la galería Bernheim-Jeune de París. Viaje a España; visita el Museo del Prado, Granada, Córdoba, Toledo, para conocer de cerca la obra de El Greco, y en Sevilla se reúne con Francisco Iturrino.
1911 - Va a Moscú a entregar al coleccionista Schukin sus cuadros La Danza y La Música.
1913 - Participa con muchas obras en el Armony Show de Nueva York y en la Secesión de Berlín.
1914 - Exento de los deberes militares, al estallar la guerra escapa con su familia a Collioure.
1916 - Pasa su primer invierno en Niza, instaurando una costumbre duradera.
1954 - El 3 de noviembre fallece en su apartamento de Niza.


fuente: Wikipedia